Pokazywanie postów oznaczonych etykietą style muzyczne. Pokaż wszystkie posty
Pokazywanie postów oznaczonych etykietą style muzyczne. Pokaż wszystkie posty

wtorek, 16 grudnia 2025

Northern soul

Northern soul jest stylem muzycznym kojarzonym z taneczną muzyką i wynikającą z niej modą rozwijającą się
w północnej Anglii w końcu lat 60-tych.Na początku taniec zawierał elementy sportowe,jak:przerzut przez plecy i opuszczanie partnerki.
Muzyczną bazą tych popisów były amerykańskie utwory soulowe mało znanych wykonawców,w podkręconym tempie,bardzo podobne lub wręcz identyczne z nagraniami z Tamla Motown i mniej znanych wytwórni [Okeh Records] z Detroit i Chicago.
W 1970r brytyjscy wykonawcy tego nurtu nagrywali dla sieci supermarketów,a niedostatek płyt z wymaganym rytmem prowadził do odtwarzania ich z większą prędkością.Northern soul to także moda,która objawiała się noszeniem kręglarskich t-shirtów,bluz z otworami pośrodku czy też guzików o niezwykłych rozmiarach lub workowatych spodni.Większość fanów należała do specjalnych klubów organizowanych przy salach tanecznych i nosiła odznaki klubowe.Te najbardziej znane to Torch w Stoke,Mecca w Blackpool,Mojo w Sheffield i Twisted Wheel w Manchester.
Dla wielu northern soul jest bezsensownym terminem,poniważ nie odnosi się do żadnego nowego rodzaju muzyki,dla innych znaczy wszystko.W odróżnieniu od gatunków soul music,których nazwy pochodziły od nazw regionów w których powstawały lub od brzmienia ,northern soul wziął nazwę od miejsca gdzie ta muzyka była grana -w tanecznych klubach północnej Brytanii.
 


Rozmiar: 1016 bajtówReprezantywni artyści
  
   J.J. Barnes, Fontella Bass ,William Bell ,The Dells
   The Impressions ,Major Lance, The Tams, Jerry Butler
   Gene Chandler, Bobby Freeman, Major Harris, Leon Haywood
   Loleatta Holloway ,Walter Jackson, Marv Johnson, Gloria Jones
   Denise LaSalle ,Gloria Lynne, The Manhattans, Ann Cole
 


Rozmiar: 1223 bajtówReprezentatywne płyty
 Cry to Me: The Best of Freddie Scott Freddie Scott
Duke of Soul: The Brunswick Years Gene Chandler
Everybody Loves a Good Time!: The Best of Major Lance Major Lance
Iceman: The Mercury Years Jerry Butler
It Will Stand The Showmen
On Their Corner: The Best of the Dells 
One More Time: The Chess Years The Dells Billy Stewart
Rescued: The Best of Fontella Bass Fontella Bass
The Best of the Tams The Tams
The Best of William Bell William Bell
 
 

czwartek, 11 grudnia 2025

Freakbeat

Freakbeat to luźno zdefiniowany podgatunek muzyki rockowej, rozwijany
głównie przez brytyjskie zespoły grające hard rock w okresie British Invasion i Swinging London w połowie i pod koniec lat 60. Gatunek ten łączy w sobie R&B, beat i wczesną psychodelię.

  W połowie i pod koniec lat 60-tych brytyjskie publikacje muzyczne używały terminu „muzyka freak-out” do opisania podgrupy zespołów rocka psychodelicznego. W Wielkiej Brytanii magazyn NME określił Creation mianem „muzyki freak-out”, choć autor artykułu stwierdził, że grupa „kategorycznie zaprzeczyła, jakoby miała cokolwiek wspólnego ze sceną freak-out”. W slangu narkotykowym „freak-out” oznaczało „bad trip” . 

W grudniu 1966 roku Beat Instrumental opublikował artykuł na temat muzyki freak-out, stwierdzając: Ta „freak-out” muzyka wymaga nieco wyjaśnienia. Count Five, ze swoim przebojem „Psychotic Reaction”, już trafił na listy przebojów w Ameryce i Wielkiej Brytanii. The Fingers, Kim Fowley, The Yardbirds, John’s Children i The Monkees również są częścią tego rosnącego ruchu, wywierając wpływ na listy przebojów. Jednak Mothers of Invention są uważani za najbardziej odjechanych z nich wszystkich. 

 W 1986 roku angielski dziennikarz muzyczny Phil Smee ukuł termin „freakbeat”, tworząc serię kompilacji Rubble, aby retrospektywnie zdefiniować brytyjską muzykę „freak-out” z połowy lat 60-tych. AllMusic pisze, że „freakbeat” jest luźno zdefiniowany, ale generalnie odnosi się do mniej znanych, ale zdecydowanych artystów epoki brytyjskiej inwazji.

  Wiele materiałów zebranych na wydanej w 2001 roku przez Rhino Records kompilacji „Nuggets II: Original Artyfacts from the British Empire and Beyond, 1964–1969” można zaklasyfikować jako freakbeat.Seria English Freakbeat to grupa pięciu albumów kompilacyjnych, wydanych pod koniec lat 80-tych przez AIP Records. Na płytach znalazły się nagrania wydane w połowie lat 60-tych przez angielskie zespoły rockowe z gatunku R&B i beat. Seria była kontynuacją albumu „Pebbles, Volume 6”, który sam nosił podtytuł „The Roots of Mod”, i był jedynym albumem w serii Pebbles poświęconym muzyce angielskiej. Kiedy w latach 90-tych XX wieku seria English Freakbeat została wznowiona na płytach CD, płyta Pebbles, Volume 6 LP została zaadaptowana na płytę CD English Freakbeat, Volume 6. 

Reprezentatywne grupy

 The Sorrows, The Birds, The Smoke, The Creation, The Syndicats, The Primitives, The Attack, The Pretty Things, The Flies, The Syn, The Majority, The Poets, The Timebox, The Human Instinct, The Seeds, The Score, The Small Faces, The Beatstalkers, New Breed.

Większość kolekcjonerów płyt słyszała określenie „freakbeat”, ale to jedno z tych ulotnych określeń, które wymykają się prostej definicji. Nazywanie go brytyjską wersją garażowego punku jest nie tylko zbyt łatwe, ale wręcz błędne (garage punk był amerykańską reakcją na zespoły z British Invasion -freakbeat zdecydowanie nie był reakcją na reakcję - a poza tym płyty garażowe tak naprawdę nie przekroczyły Atlantyku). Most między beatem a psychodelią jest znacznie bliższy prawdy, choć granice bywają momentami wyraźnie niejasne. Pewne jest, że wykorzystano muzykę, która była komercyjnie dostępna (a nawet zajmowała miejsca na listach przebojów), i posunięto ją dalej.  

W końcu, jeśli odrobina sprzężenia zwrotnego zadziałała u Yardbirds, pomyślcie tylko, co duża ilość sprzężenia zwrotnego zrobiłaby u kogoś innego. I po co używać tylko odrobiny przesterowania, skoro pokrętło można by podkręcić do końca? Gra nie musiała być idealna, wręcz przeciwnie - wymagała wielu niedoskonałości, o ile mierniki mogły sięgać czerwonych - ale nastrój musiał być. Dodaj sporą dawkę surowości w wokalu i muzykę, która mogła mieć swoje korzenie (gdzieś po drodze) w R&B, a miałeś freakbeat. Z pewnością nie był to czysty gatunek; ekscytujący zdecydowanie był. Jak na zespoły freakbeatowe, Rolling Stones nie posunęli się wystarczająco daleko. Mogli być koszmarem ojców w całej Wielkiej Brytanii („Czy pozwoliłbyś swojej córce wyjść za mąż za Rolling Stonesa?” – brzmiał jeden z nagłówków), ale dla chłopaków freakbeat - a byli nimi, prawie bez wyjątku, Stonesi byli mięczakami, a Beatlesi nie byli rozpoznawalni.  

Nawet Pretty Things, którzy w połowie lat 60-tych posunęli się do ekstremum jak na zespoły z list przebojów, byli dość potulni i łagodni. Freakbeat był awangardą rocka, miejscem, gdzie beat spotykał się z noisem, a ludzie tworzący muzykę uśmiechali się. Ocena, kto był, a kto nie był freakbeatem (termin ten, nawiasem mówiąc, został ukuty w latach 80-tych przez Phila Smee z wytwórni reedycyjnej Bama Caruso) jest w najlepszym razie płynna - to nieścisła nauka. Zespół radośnie przekraczał granice modu i R&B, oferując rodzaj proto-psychodelii. Jednak twierdzenie, że skoro byli na listach przebojów, to nie mogli być freakbeatem, jest nieprawdziwe. The Pretty Things wkroczyli do tego grona, Troggs, Them, The Who, Primitives, Easybeats i The Move - wszyscy się do tego zaliczają, przynajmniej przez pewien czas. Nie zapominajmy też o mniej znanych, ale równie wpływowych zespołach, takich jak Creation i Action, które nie bały się zabrudzić swojego brzmienia.

  Z perspektywy czasu Troggs mogą wydawać się raczej żartem niż prawdziwym zespołem; Ich nieprzemijająca sława pochodziła raczej z taśmy pełnej przekleństw niż z ich przebojowych singli. Ale byli całkiem autentyczni, być może idealny brytyjski zespół garażowy. Gdyby nagrali tylko „Wild Thing”, nadal zasługiwaliby na miejsce w panteonie freakbeatu. Ale zrobili o wiele więcej. Pochodzący z zdecydowanie mało popularnego zakątka Andover w 1964 roku, zwrócili na siebie uwagę Larry'ego Page'a, który był pomysłodawcą początków The Kinks. Po nieudanym debiucie „Lost Girl” w 1966 roku chwycili za „Wild Thing”, który i tak był klapą Wild Ones, i odcisnęli na nim swoje piętno. Trzy przesterowane akordy gitary, podstawowy rytm i prosty wokal Rega Presleya stały się czymś więcej niż tylko sumą swoich części; to był rock'n'rollowy okrzyk bojowy, który dorównywał w każdym calu „Louie Louie”. Numer jeden na listach przebojów w Wielkiej Brytanii i Ameryce (gdzie, w dziwnych okolicznościach, został wydany jednocześnie przez dwie różne wytwórnie), być może był nawet najlepszym momentem freakbeatu. Biorąc pod uwagę, że „Wild Thing” pierwotnie planował Page jako stronę B, utwór zadziałał magicznie (podobnie jak „A Girl Like You”, nagrany w tej samej 45-minutowej sesji, który stał się ich drugim hitem). 

Freakbeat
Style żródłowe: Rock 'n' roll, blues, beat, rhythm and blues, soul
żródła kulturowe: połowa lat 60-tych,UK
Typowe instrumenty : gitara elektryczna,bass,perkusja,tamburyn,harmonijka,
Okres popularności: lata 60-te i początek 70-tych w UK
Pochodne formy: Rock psychodeliczny, glam rock, heavy metal, punk rock
Subgenres

sobota, 6 grudnia 2025

Acid rock

 Acid rock to luźno zdefiniowany rodzaj muzyki rockowej, który wyewoluował z
ruchu garażowego punku  z połowy lat 60-tych XX wieku i przyczynił się do powstania subkultury psychodelicznej.
Chociaż termin ten bywa czasami używany zamiennie z „rockiem psychodelicznym”, acid rock odnosi się również do bardziej intensywnego muzycznie, surowszego lub cięższego podgatunku lub jego odpowiednika. Nazwany na cześć dietyloamidu kwasu lizergowego (LSD), styl ten charakteryzuje się ciężkimi, przesterowanymi gitarami i często zawiera teksty z odniesieniami do narkotyków oraz długie improwizowane jamy. W porównaniu z innymi formami rocka psychodelicznego, acid rock charakteryzuje się twardszym, głośniejszym, cięższym lub surowszym brzmieniem. Wiele z jego stylów pokrywa się z garażowym punkiem lat 60-tych XX wieku, protometalem i wczesnym, ciężkim, opartym na bluesie hard rockiem. 

Rozwinął się głównie na amerykańskim zachodnim wybrzeżu, gdzie zespoły nie koncentrowały się na nowatorskich efektach nagraniowych ani kaprysach brytyjskiej psychodelii; Zamiast tego, podgatunek ten kładł nacisk na cięższe cechy związane zarówno z pozytywnymi, jak i negatywnymi skrajnościami doświadczenia psychodelicznego. W miarę rozwoju ruchu, pod koniec lat 60. i 70-tych, elementy acid rocka rozdzieliły się na dwa kierunki: hard rock i heavy metal po jednej stronie, a rock progresywny po drugiej. W latach 90-tych gatunek stoner metal łączył acid rock z innymi stylami hard rocka, takimi jak grunge i doom metal, unowocześniając ciężkie riffy i długie improwizacje występujące w acid rocku i metalu z wpływami psychodelicznymi.

Termin „acid rock” był początkowo (i często nadal jest) luźno zdefiniowany.  W 1969 roku, gdy gatunek ten wciąż się krystalizował, dziennikarz rockowy Nik Cohn nazwał go „całkiem bezsensownym określeniem, które odnosiło się do każdego zespołu, niezależnie od jego stylu”.  Termin ten był pierwotnie używany do opisu muzyki tła podczas acid tripów na undergroundowych imprezach w latach 60-tych (np. „Acid Tests” zespołu Merry Pranksters)  oraz jako ogólne określenie bardziej eklektycznych zespołów z Haight-Ashbury w San Francisco.  Jerry Garcia z Grateful Dead uważał, że acid rock to muzyka, której słucha się pod wpływem kwasu, twierdząc ponadto, że nie ma prawdziwego „rocka psychodelicznego”, a jest to indyjska muzyka klasyczna i niektóre gatunki muzyki tybetańskiej „stworzone, aby poszerzać świadomość”  Psychedelię czasami nazywano „acid rockiem”. Ta druga etykieta została zastosowana do pulsującej, hardrockowej odmiany, która wyewoluowała z ruchu garażowego punku z połowy lat 60. XX wieku… Kiedy pod koniec 1968 roku rock zaczął powracać do łagodniejszych, korzeniowych brzmień, zespoły acid-rockowe przekształciły się w heavymetalowe.  

 Termin ten był często używany zamiennie z terminem „rock psychodeliczny” lub „psychodelia”, szczególnie w okresie narodzin tego gatunku . Jednak rozróżnienie między cięższym „acid rockiem” a bardziej ogólnym lub inkluzywnym gatunkiem „rocka psychodelicznego” jest już dobrze ugruntowane . Według Pera Eliasa Drabløsa „acid rock jest generalnie uważany za podgatunek rocka psychodelicznego” , podczas gdy Steve i Alan Freeman twierdzą, że oba terminy są mniej więcej synonimami i że „to, co zwykle określa się mianem acid rocka, to generalnie bardziej ekstremalny koniec [gatunku rocka psychodelicznego]” . Oznaczałoby to rock psychodeliczny, który jest cięższy, głośniejszy lub mocniejszy . Ponadto krytycy muzyczni później retrospektywnie określili pomost między acid rockiem a późniejszymi utworami hard rocka i heavy metalu jako „heavy psych” . Definiując acid rock jako odmianę psychodelii w stylu hard rock, wyróżnia się go jako wywodzący się z ruchu garażowego punku z lat 60-tych, którego wiele zespołów ostatecznie przekształciło się w zespoły heavymetalowe. Perkusista John Beck definiuje „acid rock” jako synonim hard rocka i heavy metalu. Termin ten ostatecznie objął ciężkie zespoły hardrockowe oparte na bluesie. Muzykolog Steve Waksman napisał, że „rozróżnienie między acid rockiem, hard rockiem i heavy metalem w pewnym momencie nigdy nie będzie bardziej niż kruche”. 

Acid rock
Style żródłowe: Rock, psychedelia, garage rock, hard rock, blues,folk rock, psychedelic rock
żródła kulturowe: połowa lat 60-tych,USA
Typowe instrumenty : -
Okres popularności: -
Pochodne formy: Hard rock, krautrock, heavy metal, progressive rock
Subgenres

czwartek, 4 grudnia 2025

Psychedelic rock

Rock psychodeliczny- gatunek muzyczny powstały w połowie lat 60-tych XX wieku,
równocześnie po obu stronach Atlantyku.


Rock psychodeliczny silnie związany był zwłaszcza z ruchem hippisowskim, stanowiąc główny środek artystycznego wyrazu ideologii „Dzieci kwiatów”. Nazwa pochodzi zatem od tzw. psychodelików, substancji psychoaktywnych, które zbuntowana młodzież lat 60-tych zażywała w celu osiągnięcia odmiennych stanów świadomości. Rock psychodeliczny przyczynił się jednocześnie do powstania takich gatunków muzyki rockowej jak hard rock, rock progresywny czy nawet heavy metal. Za prekursora rocka psychodelicznego uważa się amerykański zespół The Charlatans, utworzony w 1964 w San Francisco. Działalność zespołu była bezpośrednią inspiracją dla utworzenia grupy Grateful Dead (wcześniej The Warlocks). Określenia „muzyka psychedeliczna” po raz pierwszy użyła grupa 13th Floor Elevators w wywiadzie udzielonym w 1966 i na swojej pierwszej płycie The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators (1966).

Pierwotnie rock psychodeliczny wywodził się z tradycyjnego rockandrolla oraz bluesa, odchodząc w stronę muzycznej awangardy, wzorców dalekowschodnich (np. ragi) a nawet muzyki elektronicznej i jazzu. Bardziej konwencjonalną odmianę psychodelicznego rocka stanowi acid rock.

Samo określenie „psychodeliczny” oznacza „odkrywający umysł” odmienny stan świadomości, charakteryzujący się zwiększoną wrażliwością umysłu na wewnętrzne doznania i zewnętrzne bodźce. W istocie, w przypadku słuchaczy i zwykle twórców tej muzyki, stan ten wywołany był zażywaniem substancji psychoaktywnych jak np. marihuana, meskalina, LSD-25. Muzyka zaś starała się odzwierciedlić muzycznie stan człowieka pod wpływem psychodelików, głównie LSD.

Psychodeliczny rock charakteryzował się odejściem od tradycyjnej czterotaktowej struktury rockandrolla na rzecz swobodnych form muzycznych oraz od standardu trzyipółminutowej piosenki na rzecz dłuższych form, które na koncertach mogły się przekształcić w niekończące się jamy. Cechował się także wpływami jazzu i muzyki innych kultur, głównie indyjskiej (przejawiającymi się wprowadzeniem egzotycznych instrumentów, jak sitar) oraz poetyckimi tekstami, często mistycznymi lub surrealistycznymi, kojarzącymi się z wizjami.

Rock psychodeliczny wywarł wpływ na większość gatunków rocka dominujących w kolejnych dziesięcioleciach, zwłaszcza stał się prekursorem acid rocka i rocka progresywnego. W latach 90. XX wieku do nurtu rocka psychodelicznego nawiązała m.in. grupa Kula Shaker.

Pionierami psychodelicznego rocka byli 13th Floor Elevators, Janis Joplin, The Doors, Vanilla Fudge, The Great Society, Byrds i Grateful Dead. Innymi znanymi przedstawicielami byli Quicksilver Messenger Service, Iron Butterfly, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane i Love w USA, wczesny Pink Floyd, Incredible String Band i późny Pretty Things w Wielkiej Brytanii. Z psychodelią w pojedynczych utworach lub albumach eksperymentowało wiele innych grup, między innymi The Beatles, którzy wnieśli duży wpływ w jej spopularyzowanie, The Rolling Stones, Queen, Led Zeppelin, The Animals, The Beach Boys.  

Reprezentatywne płyty
	The Grateful Dead	Anthem of the Sun	1968	
	Jimi Hendrix Experience	Are You Experienced? [US Bonus Tracks 1997]	1967	
	Cream	Disraeli Gears	1967	
	Jimi Hendrix Experience	Electric Ladyland	1968	
	Love	Forever Changes [Deluxe Edition]	2001	
	Blue Cheer	Louder Than God: The Best of Blue Cheer	1986	
	Love	Love Story 1966-1972	1995	
	The Beatles	 Magical Mystery Tour	1967	
	Various Artists	Nuggets: Original Artyfacts From the First Psychedelic Era	1972	
	The Small Faces	Ogden's Nut Gone Flake	1968	
	The Yardbirds	Roger the Engineer	1966	
	The Pretty Things	S.F. Sorrow	1968	
	The Beatles	Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band	1967	
	Jefferson Airplane	Surrealistic Pillow [RCA]	1967	
	The Doors	The Doors	1967	
	Syd Barrett	The Madcap Laughs	1970	
	Pink Floyd	The Piper at the Gates of Dawn	1967	
	13th Floor Elevators	The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators	1966	
 
 

Psychedelic rock
Style żródłowe: Rock, psychedelia ,folk ,garage rock, jazz, blues, electronic, novelty music, surf
Żródła kulturowe: połowa lat 60-tych, Stany Zjednoczone,W.Brytania
Typowe instrumenty : Guitar - Bass - Keyboards - Drums - Sitar
Okres popularności: Głównie w latach 60-tych i lokalnie do dzisiaj
Pochodne formy: Art rock, hard rock, heavy metal ,industrial music, jam band, krautrock, neo-psychedelia, glam rock, occult rock, progressive rock, proto-prog, dream pop, shoegaze
Subgenres
Acid rock,raga rock, space rock

sobota, 29 listopada 2025

Yé-yé

Nurt muzyki pop wywodzący się z początku lat 60-tych z Francji,kanadyjskiego Quebecu i Hiszpanii.
Jego nazwa pochodzi od okrzyku "yeah! yeah!".
Swój pocz
ątek bierze od radiowego programu "Salut les copains", stworzonego przez Lucien Morisse i gospodarzem którego był Daniel Philippacci, który został po raz pierwszy zaprezentowany na antenie w grudniu 1959.Ten program osiągnął natychmiastowy sukces i jedna z jego części ( "le chouchou de la semaine" / "this week's sweetheart") stał się punktem wyjścia dla większości piosenkarzy yeye. Każdy utwór, który został przedstawiony jako chouchou dochodził do szczytu listy przebojów.Fenomen tego programu był kontynuowany w magazynie o tej samej nazwie publikowanym na rynku prasowym Francji,Niemiec,Hiszpanii i Włoch od 1962r.
 

Nurt yeye był unikalnym zjawiskiem z różnych powodów,po pierwsze był to pierwszy ruch muzyczny w którym główną role odgrywały kobiety,po drugie dotyczył głównie Europy [choć zyskał dużą popularność w Japonii].Dotyczył bardzo młodych dziewczyn,Gall miała 16 lat gdy wydała pierwszy album,17 gdy wygrała konkurs piosenki Eurowizji w Luksemburgu,młodzieńczo naiwnych,których problemy dotyczyły głównie nieszczęśiwej miłości,tak jak w piosence Françoise Hardy "Tous les garçons et les Filles" .
 

Wiodącą rolę wśród div yeye pełniła Sylvie Vartan.Poślubiła gwiazdę rocka Johnny Hallyday'a w 1965r i odbyła tournee po Ameryce i Azji.Dopiero w 1968r odeszła mentalnie od tego stylu nagrywając piosenkę "Jolie poupée" o dziewczynie, która ubolewa nad porzuconymi lalkami po jej dorastaniu.
Choć pochodz
ący z Francji, ruch yeye przetoczył się przez Europę Zachodnią.Jedną z pierwszych dam rocka we Włoszech w 1959r była Mina.W następnych latach będzie skłaniać się ku piosence środka.Jej rodaczka Rita Pavone jest typowym przykładem nastolatki stylu yeye.W Hiszpanii muzyka yeye skierowana była głównie przeciwko katolicyzmowi i choć przyjęła się tam nieco póżniej to cieszyła się dużym powodzeniem.W 1968r przedstawicielka tego kraju,Massiel wygrała piosenką "La La La" konkurs Eurowizji.
 

Mimo tego,że ten nurt zdominowany został przez dziewczyny,to nie można odmówić ważnej roli kilku mężczyzn,jak chociażby Serge Gainsbourg,który pisał piosenki dla większości wykonawców owego nurtu,wykonawcę romantycznych ballad Michela Polnareffa ["Love please love me"],Jacquesa Dutronc ["La fille du pere Noel"],czy najbardziej znanego przedstawiciela męskiego odłamu yeye,Claude'a François ["Belles, Belles, Belles"].
 

Muzycznie styl inspirował się rock and rollem (wraz ze szczególnym zamiłowaniem do tańca twist) oraz rodzącym się brytyjskim beatem, dodając orkiestrację, „słodkie” wokale, lekkie, żywiołowe melodie i lekkie wpływy jazzu. Serge Gainsbourg, autor piosenek i muzyk chanson, był znany z pisania i aranżacji wielu płyt yé-yé, w szczególności utworów z repertuaru Gall  i Brigitte Bardot (piosenka „Poupée de cire, poupée de son” tej pierwszej wygrała Konkurs Piosenki Eurowizji w 1965 roku). Poza muzyką, gatunek ten był również szeroko reklamowany ze względu na swój wizerunek, który wpłynął na trendy w modzie muzycznej i życiu codziennym, w tym sztuczne rzęsy, mnóstwo szminek i sukienki babydoll, promujące poczucie seksualnej naiwności. Teksty często nie odzwierciedlały słodkiego, niewinnego brzmienia muzyki, zawierając subtelne odniesienia seksualne, czasami rzekomo nieznane śpiewającym artystkom. Inne gwiazdy yé-yé lat 60-tych to Sylvie Vartan, Karina, Rita Pavone, Jacqueline Taïeb i wczesna twórczość Françoise Hardy, a także wokaliści Johnny Hallyday i Claude François. Miało to również fundamentalny wpływ na ogólny klimat muzyki pop w połowie lat 60-tych, w tym wokalistki Sandie Shaw, Marianne Faithfull i Petula Clark. 

 Pod koniec lat 60-tych nurt Yé-yé praktycznie zamarł, choć w kolejnych dekadach przeżył mini-odrodzenie. Podobieństwa do niego łączył Jovem Guarda, brazylijski ruch muzyczny, również inspirowany rock & rollem i beatem, z aranżacjami organowymi i smyczkowymi. Proste, radosne i chwytliwe melodie Yé-yé stanowiły podstawę dla Bubblegum i Sunshine Pop z połowy i końca lat 60-tych, a także były jednym ze składników bogactwa brzmień w Shibuya-kei, gatunku japońskiej muzyki pop z przełomu lat 80. i 90-tych XX wieku.

Yé-yé
Style żródłowe: R&B,rock and roll,Beat,chanson,jazz,girl groups,traditional pop
żródła kulturowe: wczesne lata 60-te, Zachodnia i Południowa Europa
Typowe instrumenty : -
Okres popularności: lata 60-te i początek 70-tych w Europie
Pochodne formy: Bubblegum,sunshine pop,Shibuya-keit,wee pop
Subgenres

czwartek, 30 października 2025

Canterbury scene

Zważywszy na fakt, że wiele innych gatunków angielskiej muzyki progresywnej rozwijało się
głównie w Londynie, może się na pierwszy rzut oka wydawać dziwne, że dawne centrum pielgrzymkowe i stosunkowo spokojne miasto katedralne, Canterbury, stało się centrum tej typowo angielskiej formy muzyki progresywnej i jazzu fusion. Pierwotnie Wilde Flowers, nastoletni zespół mieszkający w Canterbury i okolicach, grający mieszankę popu, R'n'B i rozwijającej się miłości do jazzu, powstał w latach 60-tych i stał się zalążkiem, z którego wyrosła scena Canterbury. Australijski beatnik Daevid Allen, podczas długiego pobytu w domu rodziców Roberta Wyatta, będącym azylem dla wielu artystów z alternatywnych nurtów, miał katalizować ewolucję Wilde Flowers w raczkujący Soft Machine i rozwój muzyki awangardowej w okresie angielskiej psychodelii i undergroundu. 

 W latach 1963–1969 w składzie Wilde Flowers znalazła się większość postaci, które później utworzyły dwa najsłynniejsze zespoły Canterbury: (The) Soft Machine (Robert Wyatt, Kevin Ayers, Hugh Hopper) i Caravan (Pye Hastings, David Sinclair, Richard Sinclair, Richard Coughlan). Canterbury stało się wówczas kolebką kilku bardziej swobodnych brytyjskich zespołów ery postpsychedelicznej. Choć fani sugerują, że jest to ojczyzna angielskiej muzycznej dziwaczności, przełamanej sporą dawką fantazji, w muzycznym spektrum sceny Canterbury podobieństwa między głównymi zespołami Canterbury (np. Soft Machine, Caravan, Gong, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Hatfield & the North, Egg, National Health) nie są na pierwszy rzut oka oczywiste. 

Większość zespołów wykorzystuje sprytne połączenie rytmów rockowych i improwizacji jazzowej z intelektualnym pisaniem piosenek i różną siłą psychodelii - niektóre zawierają również elementy folkowe (np. Spirogyra), inne bluesa (np. Carol Grimes i Delivery). Ponadto wiele zespołów wykorzystuje różne elementy muzyki klasycznej, na przykład zespoły, w których Dave Stewart gra na klawiszach. Podczas gdy w zespołach z Canterbury grało kilku doskonałych i wyraźnie różnych gitarzystów (np. Andy Summers, Allan Holdsworth, John Etheridge, Steve Hillage, Phil Miller), wiodącym instrumentem z wyboru są klawisze. Jedną z angielskich osobliwości Canterbury jest to, co nieżyjący już John Peel nazwał „Szkołą Antypieśni” ze względu na szczególne podejście Wyatta, Ayersa i Richarda Sinclaira do wokali i być może kaprys. Niedawno styl wokalny Richarda Sinclaira został prawdopodobnie trafnie określony przez magazyn Jazzwise jako „angielski śpiew jazzowy” (tj. śpiewanie jazzu z angielskim, a nie typowym amerykańskim akcentem). Ponadto muzycy z Canterbury eksperymentowali z awangardą i free jazzem, np. Elton Dean, Lol Coxhill, Steve Miller. (*Jednak po wysłuchaniu niektórych zespołów z Canterbury, wspólne cechy stają się bardziej oczywiste -sekwencja akordów, np. elektryczne pianino Cavemana Hughscore'a otwierające utwór „More Than Nothing”, wokal, teksty itd.) .

Zarówno Soft Machine, jak i Caravan byli popularni na angielskiej scenie psychodelicznej/undergroundowej przed wydaniem swoich pierwszych albumów w 1968 roku, a Machine dorównał im pod względem popularności wraz z Pink Floyd. Jednakże, na początku lat 70-tych seria fragmentarycznych zmian składów zespołów (Soft Machine miało około 30) i późniejsze powstawanie nowych zespołów, szybko poszerzyło zakres Canterbury, z wieloma nowszymi muzykami, którzy mieli tylko luźne i w zasadzie żadne wcześniejsze powiązania z Canterbury. Wczesny członek Soft Machine, Daevid Allen, założył Gong w Paryżu. Zarówno Kevin Ayers, jak i Robert Wyatt opuścili Softs z powodu rozwoju muzyki, który im się nie podobał, aby rozpocząć własne kariery solowe. 

W połowie lat 70-tych większość starych i nowych zespołów Canterbury odeszła od psychodelii, rozwijając swoje odrębne formy rocka progresywnego, niektóre obejmując jazz fusion, wiele grając rozszerzone jamy z teraz ograniczonym wkładem lirycznym (np. Hatfield and The Norths, National Health, Gilgamesh). Caravan stał się bardziej folkowy. Jednak, wraz z postępem lat 70-tych kilka zespołów Canterbury straciło większość elementów rockowych ze swojej muzyki. Gong najdłużej zachował swoją psychodeliczną stronę, ale wraz z odejściem Daevida Allena i Steve'a Hillage'a w połowie lat 70-tych zespół ewoluował w zorientowany na perkusję, jazzrockowy zespół Gong, który ostatecznie stał się współczesną Gongzillą.  

Daevid Allen odzyskał imię Gonga w latach 90-tych i poprzez swoją solową pracę oraz ze swoim University of Errors, nadal ewidentnie produkuje psychodelię. Forma psychodelii Steve'a Hillage'a ewoluowała w glissando rocka jego własnego zespołu, a następnie w elektronikę pod koniec lat 70-tych. W szczególności Hillage, dzięki swojej pracy jako odnoszący sukcesy producent muzyczny nowych zespołów z lat 80-tych, rozwija swoją formę elektroniki poprzez inne zespoły. Ta muzyka straciła wiele ze swojej złożoności, np. kilka riffów granych w kółko, zamiast kilkudziesięciu na utwór, co wcześniej często charakteryzowało progres, w bardzo popularną formę, która jest antytezą progresu, czyli różnych form muzyki house z towarzyszącymi im remixing/turntablism. Na przykład utwór Gong  „You” doczekał się remiksu w latach 90-tych- ale, aby odzwierciedlić zakres jego działalności, Hillage przez ponad 20 lat produkował i grał na gitarze dla algierskiego wokalisty Rai, Rachida Tahy. 

Wielu bardziej znanych brytyjskich muzyków awangardowych i fusion z lat 70. i 80-tych - w tym Fred Frith (Henry Cow), Allan Holdsworth (Gong, Soft Machine, UK, Bruford) i Peter Blegvad - było zaangażowanych w swoją wczesną karierę, grając w zespołach z Canterbury. Wciąż pojawiają się nowi muzycy, a Theo Travis jest ostatnio chyba najbardziej znanym (Gong, The Soft Machine Legacy).  

Scena Canterbury miała wywrzeć ogromny wpływ na muzyków w Europie, zwłaszcza we Francji (np. Gong, Moving Gelatine Plates), Holandii (Super Sister) i Włoszech (Daedalus), a nieco później w USA (Hughscore). Caravan reaktywował się w połowie lat 90-tych, a byłych członków Soft Machine można było spotkać w różnych zespołach awangardowego jazzu i jazzu fusion, np. Just Us, Soft Heap, Soft Works, a ostatnio The Soft Machine Legacy.

New Orleans Soul
Style żródłowe: Progressive rock, jazz fusion, avant-garde, psychedelia
żródła kulturowe: póżne lata 60-te, Canterbury, England
Typowe instrumenty : organy,gitara
Okres popularności: lata 60-te i początek 70-tych w Anglii
Pochodne formy: -
Subgenres

czwartek, 23 października 2025

Chicago soul

Chicago soul to styl muzyki soul, który narodził się w latach 60-tych XX wieku w Chicago.

Wraz z Detroit, siedzibą wytwórni Motown, i Memphis, z jego surowymi, chropowatymi wykonawcami , Chicago i styl chicagowski soul przyczyniły się do rewolucji soulowej zorientowanej na albumy na początku lat 70-tych. Brzmienie chicagowskiego soulu, podobnie jak southern soul z jego bogatym wpływem muzyki black gospel, również charakteryzowało się wyraźnym gospel, ale było nieco lżejsze i delikatniejsze w swoim podejściu.  
 
Zespoły wokalne z Chicago charakteryzowały się raczej luźnymi, słodkimi harmoniami, podczas gdy soliści prezentowali bardzo melodyjne i nieco popowe podejście do swoich utworów. Akompaniament zazwyczaj obejmował silnie orkiestrowe aranżacje z udziałem instrumentów dętych i smyczkowych, autorstwa tak znanych aranżerów, jak Johnny Pate (który pracował głównie z instrumentami dętymi) i Riley Hampton (który specjalizował się w instrumentach smyczkowych). Ten rodzaj muzyki soul bywa nazywany „soft soul”, aby odróżnić go od bardziej surowego i przypominającego gospel stylu „hard soul”.

 

Chicago soul
Style żródłowe: Soul,rhythm and blues,gospel,doo-wop,blues
żródła kulturowe: początek lat 60-tych,Chicago, Illinois,
Typowe instrumenty : -
Okres popularności: lata 60-te i początek 70-tych w USA
Pochodne formy: -
Subgenres

New Orleans Soul

New Orleans Soul to styl muzyczny wywodzący się z muzyki soul, ze znaczącymi
wpływami muzyki gospel. Łączy w sobie elementy popu i soulu, przesiąknięte rytmicznymi wzorcami boogie-woogie. Gatunek ten, zazwyczaj z akompaniamentem fortepianu i saksofonu, zyskał na znaczeniu w okresie powojennym w dzielnicy Crescent City. 

  Gatunek ten charakteryzuje się popowym fundamentem, widocznym w elementach strukturalnych, oraz włączeniem rytmów rockowych, inspirowanych popularnymi w mieście rytmami „second line”. Wpływ muzyki karaibskiej i latynoskiej z lat 60-tych XX wieku był znaczący, inspirując rozwój bardziej egzotycznych rytmów w obrębie tego gatunku soul, choć istnieją również rytmy o średnim tempie. Muzycy przedkładają melodię i brzmienie nad treść tekstów. W chórkach zazwyczaj występuje jeden lub dwa głosy żeńskie. Początki Pierwsze utwory w tym stylu soul powstały w 1960 roku dzięki talentowi autora tekstów i producenta Allena Toussainta. Następnie styl ten zyskał znaczną popularność wśród innych lokalnych i regionalnych artystów. 

W latach 90-tych New Orleans Soul przyciągnął uwagę wielu wokalistów z różnych gatunków muzyki soul. Pierwotnie kultywowany w Nowym Orleanie, jego wpływ pozostał stosunkowo ograniczony do granic miasta.  Niektórzy muzycy z Memphis przyznają jednak, że gatunek ten miał znaczący wpływ na rozwój ich własnego stylu soul. Co więcej, odcisnął on piętno na soulu północnym i brytyjskim. Około 1965 roku, zaledwie pięć lat po powstaniu New Orleans Soul, Toussaint, kluczowa postać tego gatunku, stworzył wolniejszą odmianę, która odegrała kluczową rolę w narodzinach funku. 

New Orleans Soul
Style żródłowe: Southern soul, gospel music, pop music, boogie-woogie
żródła kulturowe: początek lat 60-tych, New Orleans, Louisiana
Typowe instrumenty : Piano, saxophone, vocals
Okres popularności: lata 60-te i początek 70-tych w USA
Pochodne formy: Northern soul, Memphis soul
Subgenres

czwartek, 30 maja 2024

Jump blues

 Jump blues to szybki styl bluesa, jazzu i boogie woogie, grany zwykle przez małe grupy z udziałem instrumentów dętych. Był popularny w latach czterdziestych XX wieku i był prekursorem rythm & bluesa oraz rock and rolla. Uznanie jump bluesa zostało odnowione w latach 90-tych w ramach odrodzenia swingu.  

Jump blues wyewoluował z muzyki wielkich zespołów, takich jak Lionela Hamptona i Lucky Millindera, na początku lat czterdziestych XX wieku, z których wywodzili się tacy muzycy jak Louis Jordan, Jack McVea, Earl Bostic i Arnett Cobb. Jordan był najpopularniejszą gwiazdą jump bluesa; inni artyści zajmujący się tym gatunkiem to Roy Brown, Amos Milburn i Joe Liggins, a także soliści saksofonowi Jack McVea, Big Jay McNeely i Bull Moose Jackson. Wśród hitów znalazły się takie single, jak „Saturday Night Fish Fry” Jordana, „Good Rockin' Tonight” Roya Browna i „Deacon's Hop” Big Jaya McNeely’ego.

 Jordan ze swoją Tympany Five Jednym z ważnych prototypów stylistycznych w rozwoju R&B był jump blues, którego pionierem był Louis Jordan, z… Jego Tympany Five… trzema rogami i sekcją rytmiczną, podczas gdy stylistycznie jego muzyka łączyła elementy swingu i bluesa, włączając rytm shuffle , boogie-woogie linie basu  lub riffy dęte. W piosenkach wykorzystano afroamerykański język narodowy, humor i wokalne sekcje wezwań i odpowiedzi pomiędzy Jordanem a zespołem. Muzyka Jordana podobała się zarówno afroamerykańskiej, jak i białej publiczności, a jego hity takie jak „Is You Is or Is You Ain’t My Baby” (1944) odniosły ogromny sukces.  

Blues i jazz były częścią tego samego muzycznego świata, a wielu muzyków łączyło oba gatunki. Zespoły jumpowe, takie jak Tympany Five, które powstały w tym samym czasie, co odrodzenie boogie-woogie, osiągnęły maksymalny efekt dzięki stylowi boogie-woogie . „Hałaśliwe nagrania” Jordana z Tympany Five, takie jak „Saturday Night Fish Fry”, jedno z pierwszych, w którym zastosowano przesterowaną gitarę elektryczną, „dosłownie sprawiały, że słuchacze skakali do pulsującego rytmu”. Co najmniej dwie inne płyty Jordana są postrzegane jako jump blues, Caldonia i Choo Choo Ch'Boogie. Jump blues Jordana łączył dobroduszne, nowatorskie teksty (niektóre z sugestywnymi podwójnymi znaczeniami); narzucanie tempa; wzmocnienie rytmu; nakładając na siebie brzmienie bluesowym saksofonem i zabawnymi melodiami.

  Lionel Hampton nagrał w 1942 roku porywającą, big-bandową piosenkę bluesową „Flying Home”. Piosenka zawierająca zdławiony, wrzeszczący występ na saksofonie tenorowym Illinois Jacqueta stała się hitem w kategorii „race”. Billboard opisał „Flying Home” jako „niezwykle swingującą stronę… z jasnym odbiciem w średnim tempie i utrzymującym się stałym pędem, jest to skoczek, który nie stoi w miejscu”. Zarówno Hampton, jak i Jordan połączyli popularny rytm boogie-woogie, bardziej szorstką wersję stylów saksofonowych z epoki swingu, na przykład Colemana Hawkinsa i Bena Webstera, z zabawnymi, humorystycznymi tekstami lub werbalnymi dodatkami przeplatanymi jive talkiem.

 W miarę jak ta miejska muzyka oparta na jazzie stała się coraz bardziej popularna, muzycy chcący „grać dla ludzi” zaczęli preferować ciężki, natarczywy beat. który przemówił do czarnych słuchaczy, którzy nie chcieli już być utożsamiani z „życiem w domu”. Grupy jump, zatrudniane do tańca jitterbug po znacznie niższych kosztach niż duże zespoły, stały się popularne wśród agentów i właścicieli sal balowych. Saksofonista Art Chaney powiedział: „[czuliśmy] się urażeni, gdy publiczność nie chciała tańczyć”. Jump był szczególnie popularny w późnych latach czterdziestych i wczesnych pięćdziesiątych XX wieku za sprawą takich artystów jak Louis Jordan, Big Joe Turner, Roy Brown, Charles Brown, Helen Humes, T-Bone Walker, Roy Milton, Billy Wright, Wynonie Harris, Louis Prima i Sonny Terry i Brownie McGhee. Rzadziej wspominany Goree Carter również nagrał trochę jump bluesa; jego Rock Awhile został uznany przez Roberta Palmera za odpowiedniego kandydata do tytułu pierwszej płyty rock and rollowej.

 W połowie lat pięćdziesiątych jump blues został prawie zapomniany, z kilkoma wyjątkami, takimi jak „Five Guys Named Moe” i kilka piosenek z lat 80-tych autorstwa The Honeydrippers

Jump blues
Style żródłowe: Blues,swing,boogie-woogie,Jazz
Żródła kulturowe: Late 1930s, U.S.
Typowe instrumenty :
Okres popularno¶ci: Głównie lata 40-te i 50-te
Pochodne formy: Electric blues,rhythm and blues,rock and roll
Subgenres

czwartek, 10 marca 2022

Rocksteady

Rocksteady




Rozmiar: 1059 bajtówOkreślenia

Era rock steady trwała mniej więcej od 1965 r. do1968 r., chociaż precyzyjne określepie momentu,kiedy ska przeszło w rock steady w szalonej atmosferze muzyki jamajskiej, jest prawie niemożliwe.Kompozycje takie jak „Fm The Toughest” Petera Tosha, „Rasta Put It On” The Wailers i „Cry Tough” grupy Alton Ellis And The Flames były utworami w stylu rock steady, ale powstały wcześniej niż nazwa tego gatunku. Kompozycje rock steady były wolniejsze i spokojniejsze niż ska i pozwalały wokalistom na pełne pokazanie swoich możliwości, a co za tym idzie - na podniesienie rangi piosenkarza i jego piosenek. Największe dokonania Duke’a Reida potwierdzały definicję rock steady jako stylu, który czerpał z muzyki to, co najlepsze. Jamajski zespół Tommy McCook And The Supersonics stał się wzorem dla całego pokolenia wykonawców i producentów. Wielu z nich wydawało wspaniałe płyty w stylu rock steady, lecz żaden z nich nie zdołał przewyższyć popularnością Duke’a, chociaż Coxsone Dodd często dotrzymywał mu kroku. Częsta rezygnacja z kosztownej sekcji dętej umożliwiła większej liczbie zainteresowanych zaangażowanie się w produkcję nagrań. Wielu młodych producentów zaczęło wyrabiać sobie markę. Kiedy w powszechnym użyciu pojawił się bas elektryczny, wypierając stopniowo tradycyjny, kierunek, w którym miała podążać muzyka przez następne 25 lat, został jasno określony.


Rozmiar: 1016 bajtówReprezantywni artyści
Desmond Dekker ,The Skatalites,Toots & the Maytals,The Gladiators ,Jimmy Cliff,Sly Dunbar


Rozmiar: 1223 bajtówReprezentatywne płyty
  
 
  1975 Heroes of Reggae Dub The Skatalites   
  1978 Trench Town Mix Up The Gladiators 
  1976 Sweet Sensation The Melodians  
  1970 Intensified Desmond Dekker  
  1977 Slave Call The Ethiopians  
  1974 Soul Defenders at Studio One Soul Defenders  
  1973 The Original Golden Oldies, Vol. 2 Prince Buster    
   
 Foundation Ska Rockin' Steady: The Best of Desmond Dekker Rivers of Babylon: The Best of the Melodians 1967-1973

 

środa, 22 listopada 2017

Garage House

style>electronica>>house>>garage house


Rozmiar: 1059 bajtówOkreślenia



Na przełomie lat 80. i 90. kiedy taneczne stylistyki mieszały się ze sobą, rozwijały i zupełnie zmieniały swoje oblicze, gatunek wywodzący swą nazwę od nowojorskiego klubu "Paradise Garage" wydawał się stać w miejscu. Dopiero gdy Anglicy wzięli sprawy w swoje ręce, sytuacja zaczęła się zmieniać. Dzisiaj UK garage - znany także pod nazwami London garage i UK underground - prawie wcale nie przypomina swojego pierwowzoru, a jego pozycja na tanecznej mapie wydaje się być niepodważalna.
Początki "brytyjskiego garażu" były skromne, jeszcze w 1994 roku stanowił on margines klubowego życia. Imprezy odbywały się tylko w niedziele, sobotnie noce w tanecznych lokalach rezerwowano dla bardziej popularnych gatunków (stąd pierwsza nazwa stylu - Sunday scene). Didżeje początkowo grywali importowane ze Stanów krążki przyspieszając do maksimum obroty gramofonów. Wtedy też wymyślono pojęcie speed garage, które jednak nie spodobało się twórcom gatunku - jak mówi Matt 'Jam' Lamont (Tuff Jam):
"Jedyny speed garage jaki znam, to ten w którym potrafią naprawić samochód w ciągu 20 minut"...
Wkrótce angielscy DJ-e i muzycy sami zaczęli produkować garage, wzbogacając go o mocną, wyraźnie zaznaczoną linię basu (Double 99, 187 Lockdown), inni zaś, zainspirowani płytami amerykańskiego producenta Todda Edwardsa, starali się tworzyć bardziej melodyjne nagrania z dużą ilością wokali (Tuff Jam, MJ Cole). Garage w brytyjskim wydaniu oznaczał też bardziej rozbudowany rytm, miarową sekcję uzupełniły synkopowane łamańce, które sprawiły że muzyka stała się bardziej funkowa i skoczna.

Prawdziwy przełom nastąpił w 1997 roku, kiedy UKG przekroczył progi małych klubów i zagościł na listach przebojów (np. "RIP Groove" Double 99). Rosła liczba twórców, jak i zainteresowanie mediów. Sama muzyka również zaczęła się przekształcać, głównie pod wpływem jungle. Bas stał się jeszcze mocniejszy, rytm bardziej skomplikowany - porzucono najbardziej charakterystyczny element amerykańskiego house'u i garage: miarowy bęben centralny (bassdrum) "4x4", a śpiew i wokalne próbki "wycinane" z nagrań r&b; i soul uzupełniały energiczne wokalizy i "gadanina" MC - śpiewaków ragga i jungle (twórcy tego ostatniego gatunku ochrzcili nowy garage mianem raggage). Nowy styl zyskał nazwę 2 step i prawie całkowicie przestał przypominać nowojorski garage.
Amerykanie również nie pozostawali obojętni na uroki łączenia house z jungle (np. remiks "Sugar is Sweeter" CJ Bollanda, autorstwa Armanda Van Heldena). Jednak nowy garage był brytyjskim wynalazkiem i tam cieszył się największą popularnością. Do tego stopnia, że nagrania utrzymane w stylistykach house, trance, czy nawet popowe przeboje zaczęto masowo remiksować, dodając elementy UKG. Ta formuła szybko się wypaliła, a producenci od początku związani ze stylem powrócili do "podziemia". Nie na długo, w ubiegłym roku 2 step wrócił na listy przebojów ("Sweet Like Chocolate" Shanks and Bigfoot, "Rewind" Artful Dodger), podobnie jak bardziej tradycyjny UK garage Tuff Jam i MJ Cole'a. Dreem Teem, Booker T, Dem 2, Zed Bias, Shy Cookie, Grant Nelson, KMA, EZ, Mike "Ruffcut" Lloyd, Ray Hurley, DJ 'S', Ramsey & Fen, Norris "The Boss" Windross, DJ $ki, MC Creed, MC Ranking, PSG, Neat, oraz cała masa innych producentów, didżejów i MC cieszy się sporą popularnością, a garażowe imprezy (np. Twice as Nice, Garage Nation, La Cosa Nostra) goszczą coraz liczniejszą publiczność. Zaś kolejne londyńskie rozgłośnie pirackie porzucają drum'n'bass na rzecz UKG/2step.
Popularność sceny UKG jest różnie postrzegana przez jej animatorów. Niektórzy - jak Grand Nelson - są zadowoleni, gdyż rośnie ilość imprez, miłośników nowego brzmienia i oczywiście nakłady płyt. Uważają również, że komercjalizacja nie musi oznaczać spłycenia nagrań, a UK garage mimo wszystko zachowa swój undergroundowy klimat. Nie wszyscy jednak w to wierzą, jak np. DJ $ki: "Wcześniej na imprezy przychodzili ludzie w wieku 21 lat i starsi, natomiast ostatnio do niektórych klubów wpuszczają nawet czternastolatków. A dzieciaki mają niewłaściwe podejście. Nie przychodzą tu dla muzyki, ale dlatego, że 2 step po prostu stał się modny".
Jednak "dzieci" zwykle wolą trance. Publiczność UKG to oprócz zagorzałych fanów garage, przede wszystkim fani połamanych rytmów. 2 step - styl skoczny, melodyjny, czy wręcz "seksowny" - jest dla nich logiczną kontynuacją jungle, który sam ewoluował w stronę ponurych odmian drum'n'bassu - techstep i darkside. UK garage jest również muzyką "weteranów" pierwszych rave'ów. Starsi o dziesięć lat, źle czują się wśród klubowej młodzieży, preferując "poważniejsze" lokale. Nie tak dawno pojawiły się nawet "2 stepowe" wersje hitów ery hardcore rave , np. "Hurt U So" Jonny'ego L czy "Bombscare" 2 Bad Mice. A ponieważ dorośli już klubowicze zdążyli dorobić się potomstwa, niektóre "garażowe" lokale oferują opiekę nad ich pociechami podczas imprez!

UK garage to nie tylko muzyka, ale również towarzysząca jej moda, slang i cała klubowa otoczka. Do klubów nie wpuszcza się gości w ubraniach sportowych czy jeansach. Obowiązują stroje z kolekcji kreatorów mody, a pokazywanie bogactwa jest w dobrym tonie. UKG pomimo swojego "podziemnego" pochodzenia kojarzony jest obecnie z luksusem - piękne kobiety, drogie samochody, szampan... Miłośnicy UK garage omijają też Ibizę opanowaną przez fanów trance'u i house'u. Zamiast tego odwiedzają kurort Ayia Napa na Cyprze i tamtejsze kluby Pzazz, The Spot, Gass Club.
Jeżeli UK garage nie podzieli losu jungle, a jego twórcy nie zrezygnują z komercyjnego powabu swoich nagrań, styl ten nie zniknie jako sensacja jednego sezonu. Połączenie nowatorstwa, sprytnych zapożyczeń z innych gatunków i konserwatyzmu pierwotnej sceny garage to recepta na dłuższą popularność.

Żródło:http://www.e-umc.com/?id=artykuly-3-56


Rozmiar: 1016 bajtówReprezantywni artyści
Blaze/ Kerri Chandler / Joe Claussell / Todd Edwards / Cevin Fisher / Loleatta Holloway / Tony Humphries/ Larry Levan / Masters at Work / Byron Stingily / Todd Terry / Ultra Naté / Colonel Abrams / Benji Candelario / D Train / François K / Danny Krivit / Joey Negro / Danny Tenaglia / Junior Vasquez/


Rozmiar: 1223 bajtówReprezentatywne płyty
 
 
  Loleatta Holloway Greatest Hits   1996 
 Kerri Chandler   Kaoz Theory: The Essential Kerri Chandler   1998 
 Larry Levan  Live at the Paradise Garage  2000 
 Masters at Work   MAW Records: The Compilation, Vol. 1   1998 
 Loleatta Holloway Runaway: The Best of Loleatta Holloway   1997 
 Ultra Naté  Situation: Critical  1998 
 Tony Humphries  Take Home the Club   1997 
 David Mancuso Presents The Loft [CD]   1999 
 Blaze           The Many Colours of Blaze   1999 
 Todd Edwards  Todd Edwards' Nervous Tracks   1999 
 Todd Terry  Todd Terry's Greatest Hits  2000 
 Cevin Fisher  Underground 2000   2000 
 Armand Van Helden 2 Future 4 U [US]   1999